I 30 migliori cartoon Disney di sempre

Esiste un marchio più riconoscibile di Disney? Lo Studio è andato ben oltre i modesti sogni di Walt e Roy Disney, che, 100 anni fa, hanno dato il via all’attività mettendosi a disegnare in un garage: non avrebbero mai potuto prevedere che i loro umili inizi si sarebbero evoluti in una società enorme che ha prodotto migliaia di film, show, giochi e altro ancora.

Sebbene abbia un’infinità di rami, la Disney è ancora conosciuta soprattutto per una cosa: l’animazione. I Walt Disney Animation Studios sono stati pionieri dell’animazione fin dai loro inizi, dai cortometraggi della serie Silly Symphonies al primo lungometraggio animato, Biancaneve e i sette nani (1937), e poi oltre. Wish, in uscita in Italia il 21 dicembre e incentrato su una ragazza di 17 anni (a cui presta la voce nella versione originale Ariana DeBose) che esprime un desiderio a una stella per salvare il suo regno di Rosas da un re malvagio (Chris Pine), è il 62esimo classico d’animazione della Disney.

Ma quale fra tutti questi film Disney regna sovrano? Quali catturano al meglio la magia Disney? Accomodatevi e immergetevi nella nostra classifica dei 30 migliori classici Disney.

Encanto è uscito durante la pandemia e ha fatto piazza pulita. Soprattutto a livello di colonna sonora, tanto che una delle sue canzoni è arrivata al top della Billboard Hot 100 (We Don’t Talk About Bruno): è stato il primo film Disney a ottenere questo risultato, dopo Aladdin. Ben sette brani di Encanto sono entrati nella Top 100: in pratica tutte le canzoni presenti. Gli ottimi pezzi firmati da Lin-Manuel Miranda danno il via al film con un ritmo così sostenuto che Encanto quasi non riesce a reggere il passo e, invece di finire in modo trionfale, si ferma stremato, come senza fiato. Mirabel comunque è una protagonista fantastica, e la pellicola è una delle più emozionanti e colorate della Disney.

A quasi 60 anni dal primo Fantasia, è arrivato il suo erede spirituale Fantasia 2000 (in un bellissimo formato IMAX), che contiene diverse nuove sequenze ispirate alla musica classica. Nella pellicola sono incluse alcune delle cose migliori che la Disney abbia mai prodotto, come Rapsodia in blu e L’uccello di fuoco, ma c’è anche L’apprendista stregone, che è stato preso dalla versione originale e riproposto per l’occasione. Bellissimo, ma deludente per la durata di appena 75 minuti.

In tema di personaggi secondari antipatici, la cosa peggiore partorita nell’era del Rinascimento Disney sono i tre gargoyle del Gobbo di Notre Dame, un film altrimenti perfetto. La storia più cupa della Disney (dopo Pinocchio) ci ha regalato musiche fantastiche, immagini stupefacenti e personaggi indimenticabili: soprattutto Frollo, il temibilissimo cattivo. Ma i gargoyle non sono solo una scocciatura: riescono a far precipitare l’intero film nel baratro di una linea comica di alleggerimento di cui nessuno aveva bisogno e che non è neppure lontanamente divertente.

Anche se oggi evoca solo nostalgia pura e semplice, alla sua uscita Lilli e il vagabondo era un film decisamente più contemporaneo rispetto alle proposte tipiche firmate Disney. È ricordato soprattutto per la scena magnifica e imitatissima in cui Lilli e Biagio si baciano dividendosi un piatto di spaghetti; ma il film intero è una storia avvincente sulla paura di essere messi da parte e sul trovare una famiglia dove meno ce lo si aspetta. Le immagini in widescreen sono tra le migliori mai realizzate dalla Disney.

Il franchise più fortunato della Disney è iniziato con Frozen, la storia del legame tra le due sorelle Anna ed Elsa. Al netto di Fixer-Upper (in italiano Un problemino da sistemare), che avrebbe dovuto essere scartata, le canzoni sono nel complesso ottime. Tutti i genitori saranno arcistufi di ascoltare Let It Go (All’alba sorgerò), ma è un brano che praticamente ha segnato una generazione intera. La storia è semplice, però le emozioni sono tutto tranne che fredde.

Questo raro esempio di sequel che riesce a superare l’originale è di gran lunga il film d’animazione Disney più moderno: è tutto incentrato su Internet. Ralph spacca Internet spesso è eccessivo, con gli oggetti sullo sfondo che si contendono di continuo la vostra attenzione, in una metafora intelligente dello stare online. Il colpo di scena sorprendente di riunire assieme tutte le principesse Disney riesce a non sembrare un espediente a buon mercato e dà vita al migliore brano Disney dell’ultimo decennio: quella satira magistrale che è A Place Called Slaughter Race (Un posto chiamato Slaughter). Nel film c’è anche una scena divertentissima piazzata, a sorpresa, in mezzo ai titoli di coda. Questa è una pellicola che tratta a fondo le problematiche legate all’attenzione e all’ansia nell’era dei social media. Mentre molti film d’animazione ruotano intorno a gruppi di amici che fanno squadra, Ralph spacca Internet parla di come sia ok anche restare separati.

Zootropolis segna un altro cambio di passo sorprendente per la Disney: è una buddy comedy deliziosa e ritmata, con elementi procedural e un cast interamente animale. La coniglietta Judy Hopps sognava da sempre di diventare una poliziotta e finalmente ha avuto la sua occasione; ma essere un coniglio nell’enorme città di Zootropolis è molto più difficile di quanto si aspettasse. Il suo rapporto con la volpe Nick Wilde è costruito accuratamente e il film veicola un messaggio efficace sui temi del pregiudizio e del razzismo.

Deciso a restituire lo spirito dei libri di A.A. Milne, Le avventure di Winnie the Pooh assemblava tre cortometraggi già distribuiti in precedenza, tra cui il vincitore di Oscar Troppo vento per Winny-Puh. Il risultato è un momento piacevolissimo di cinema. Gran parte del lavoro sulle voci è fenomenale: nella versione originale, Sterling Holloway nel ruolo di Winnie the Pooh, John Fiedler in quello di Pimpi e Paul Winchell in quello di Tigro hanno caratterizzato questi personaggi per le generazioni a venire.

Desiderosa di bissare la nomination come “miglior film” ottenuta con La bella e la bestia, la Disney ha deciso di raccontare una grande storia d’amore con Pocahontas, il primo film in assoluto dello Studio basato su un personaggio davvero esistito. Durante la lavorazione, la Disney ha anche incaricato una seconda squadra della realizzazione di un filmetto intitolato Il re leone. Nonostante si tratti di una pellicola su una figura storica, l’aderenza ai fatti reali è minima. A ogni modo, questo è uno dei film Disney disegnati a mano più spettacolari, ricco di dettagli raffinati, con un design dei personaggi audace e un uso magistrale del colore. La colonna sonora è una forza e si può dire che le canzoni (tra cui I colori del vento, Mio, mio, mio e Barbari, composte da Alan Menken e scritte da Stephen Schwartz) siano le migliori della Disney. Il film, però, difetta proprio nella sua componente più importante: il romanticismo. Pocahontas è molto convincente, ma John Smith (in originale doppiato da Mel Gibson) è noioso come una lavaggio dei piatti.

Uscito in piena pandemia, Raya e l’ultimo drago è stato in gran parte completato lavorando da casa. Ciò non ha comunque impedito al film di diventare una delle produzioni più solide ed emozionanti degli ultimi 10 anni. La guerriera solitaria Raya parte per un’avventura in cerca del mitico ultimo drago che possiede la chiave per impedire ai malvagi spiriti Druun di annientare il mondo. Quest’avventura divertente ha un ritmo incalzante, un cast di personaggi adorabili (la baby truffatrice!) e un’animazione CGI tra le più ricche di dettagli che dà letteralmente vita ai vari villaggi. Ricco grandi momenti d’azione, è quanto di più simile a un titolo del Marvel Cinematic Universe che l’animazione Disney possa offrire, anche se è migliore della maggior parte di quei film.

A oggi, con un budget di 260 milioni di dollari, Rapunzel – L’intreccio della torre è il film d’animazione più caro realizzato dalla Disney: è costato 23 milioni di dollari più di Avatar. Il motivo? I capelli di Raperonzolo (in originale Mandy Moore). L’ingegnere informatico Kelly Ward ha impiegato sei anni per creare un software che facesse muovere i capelli come voleva il team di animatori. Rapunzel è deliziosamente frizzante e Flynn Rider è da urlo: non è una sorpresa, dato che gli animatori hanno organizzato un “meeting a tema uomini sexy” in cui hanno invitato 30 colleghe a descrivere ciò che consideravano più attraente in un uomo, così da assicurarsi che Flynn fosse il protagonista maschile più bello nella storia dello Studio. La loro storia d’amore è la più elaborata di tutti i film Disney sulle principesse. A volte gioca troppo su un umorismo a buon mercato invece che sulle emozioni, ma Rapunzel si fa riguardare senza problemi e spesso risulta esilarante.

Da qui in poi, si può tranquillamente affermare che ognuno di questi film potrebbe essere il migliore in assoluto. Con Fantasia, Walt Disney ha fatto un salto enorme in avanti, abbandonando le narrazioni tradizionali per produrre una serie di cortometraggi accompagnati da musica classica. L’aspirazione era esagerata: prima che i costi lo costringessero a più miti consigli, lo Studio voleva installare un nuovo sistema audio chiamato Fantasound, esclusivamente dedicato a Fantasia, in ogni cinema d’America. Tutti gli sforzi produttivi sono stati ampiamente ripagati: Fantasia è un’opera artistica potente e, allo stesso tempo, divertentissima. Chi rifiuta la musica classica non lo farà più, dopo aver assistito a sequenze epocali come L’apprendista stregone e Una notte sul Monte Calvo.

È stato il primo film girato negli Studi Disney della Florida, ormai non più in attività. Mulan è una storia emozionante che racconta di una ragazza che prende il posto del padre per evitargli di andare in guerra. Le donne però non possono arruolarsi, per cui lei deve impersonare un uomo per sostituirsi al papà. Quest’avventura entusiasmante è stata realizzata grazie ai bozzetti dello scenografo Hans Bacher, che si è concentrato sulle caratteristiche peculiari della Cina, mentre il character designer Chen-Yi Chang ha donato la rotondità e l’eleganza necessarie per far funzionare i personaggi di questo mondo. Uno sguardo speciale sui concetti di onore, orgoglio, famiglia e dovere.

Inizialmente considerato un prodotto di Serie B rispetto al prestigioso Pocahontas, Il re leone del 1994 è poi diventato il film d’animazione disegnato a mano di maggior successo nella storia dello Studio (il conteggio è stato fatto senza tener conto dell’inflazione), con un incasso di 968 milioni di dollari in tutto il mondo. Non sorprende che una pellicola così elettrizzante sia diventata tanto popolare. Il doppiaggio originale è di livello altissimo, con Jeremy Irons che offre, forse, la migliore interpretazione della sua carriera nel ruolo del cattivo Scar (nella versione italiana, la voce è di Tullio Solenghi). Ispirato all’Amleto di Shakespeare e a Bambi della Disney, il film presenta una delle morti di personaggi più significative nella storia del cinema, splendide canzoni di Elton John e una miscela eccellente di dramma e umorismo. Il re leone ha dato l’opportunità a molti nuovi dipendenti dello Studio di lasciare il loro segno: e che segno.

Navigando in cattive acque, dopo gli scarsi risultati ottenuti con Fantasia e Pinocchio, la Disney ha scelto di tagliare i costi per Dumbo, privilegiando l’uso di colori ad acquerello e limitando gli effetti speciali più costosi. Il risultato è più cartoonesco rispetto ai lavori precedenti, ma ciò non ha avuto alcun impatto sull’ottima narrazione Disney, né sulla qualità dell’animazione, con la sequenza degli elefanti rosa che offre agli animatori la possibilità di cimentarsi in qualcosa di davvero sperimentale e stupefacente. La storia di Dumbo, un elefante bullizzato da tutti e sbeffeggiato per le sue orecchie enormi, è straziante, ma anche fonte d’ispirazione: non c’è angheria che impedisca a Dumbo di realizzare i suoi sogni. In appena 64 minuti, Dumbo tiene un ritmo migliore e convoglia più emozioni sincere di quanto un film più lungo può solo sognare di fare.

Dopo una serie di risultati mediocri inanellati coi film collettivi realizzati durante la Seconda guerra mondiale, la Disney è tornata alla formula fortunata di Biancaneve con la sua seconda pellicola dedicata alle principesse: Cenerentola. Questo film inaugura la Silver Age, caratterizzata dal ritorno alle grandi narrazioni e dall’innovazione artistica: e, in fondo, cosa c’è di più grandioso di una storia di redenzione in cui si passa dalla povertà alla ricchezza? Il successo è stato strepitoso e Cenerentola è la principessa Disney più sottovalutata: non è una sprovveduta e sa fare molte cose. Gli animatori hanno utilizzato attori in carne e ossa come riferimento per rendere i movimenti realistici. Ma l’animazione si è spinta oltre: la sequenza Canta, dolce usignol fa un uso innovativo delle bolle e la trasformazione del vestito di Cenerentola, animata da Marc Davis, è stata citata da Walt come il suo esempio preferito di animazione.

Il film incentrato sul tema delle principesse uscito dopo Cenerentola, La bella addormentata nel bosco, è stato un flop enorme al botteghino e, per via dei costi enormi, ha quasi mandato in rovina lo Studio. Essendo realizzato per sfruttare il Super Technirama 70, gli animatori hanno lavorato con tele molto più grandi rispetto al solito, cosa che ha comportato spese esorbitanti e ritardi pesanti. Ma il risultato è ottimo. Questo è, senza dubbio, il film più bello della Disney: nessun altro si avvicina visivamente a La bella addormentata nel bosco. Sotto la guida del bravissimo Eyvind Earle, che si è ispirato all’arte europea pre rinascimentale, ogni fotogramma diviene un’opera d’arte e il suo stile unico, compresi gli alberi quadrati, lascia un segno indelebile. Non guasta il fatto che ci sia uno dei più grandi cattivi di tutti i tempi, Malefica, che infierisce sulla principessa Aurora perché non è stata invitata alla sua festa di compleanno.

Pochi film riescono ad appassionare il pubblico come Aladdin, un’avventura adrenalinica e ad alto tasso di energia. Il Genio è spesso acclamato come la più grande spalla dell’universo Disney, e per una buona ragione: la voce di Robin Williams (in italiano Gigi Proietti) è magistrale, e il Genio è stato animato da Eric Goldberg. Funziona tutto, dal coraggioso protagonista Aladdin alla principessa Jasmine, fino al cattivo Jafar. Per non parlare della sua simpatica spalla Iago.

In un decennio caratterizzato dall’avvento della CGI, La principessa e il ranocchio è stato accolto come un glorioso ritorno all’animazione disegnata a mano (e sottolineiamo “glorioso”). Il film ha tutte le caratteristiche dei classici Disney… il Dr. Facilier è un cattivo eccezionale, il cast è solido e la principessa Tiana, forse, batte tutte le altre “colleghe”. La città di New Orleans prende vita in questo film divertentissimo. È una pellicola stupenda da guardare, soprattutto la sequenza art déco, animata da Eric Goldberg e concepita per la grande canzone A un passo dai miei sogni.

Un’ingegnosa campagna di marketing della Disney ci aveva promesso qualcosa di mai visto prima, con Lilo & Stitch, e il film mantiene la promessa fatta. Lilo è il tipo di protagonista che non abbiamo mai avuto prima: simpatica ma strana, disperatamente sola e bisognosa di affetto. Lo trova nell’Esperimento 626, un alieno assassino che lei ribattezza Stitch (doppiato in originale da Chris Williams, che ha collaborato con Dean DeBlois alla regia). È un film molto divertente e allo stesso tempo profondamente triste, che esplora l’idea di famiglia con tenerezza e rispetto. È incredibile che la Disney si sia lasciata sfuggire due talenti come Sanders e DeBlois, che hanno poi diretto Dragon Trainer per la DreamWorks, fra le altre cose.

La Disney ci ha regalato una storia antica come il mondo con La bella e la bestia, la prima (e unica) pellicola Disney a ricevere una nomination come “miglior film” agli Academy Awards. E non è difficile capire il perché: è una storia d’amore travolgente e commovente, anche se bisogna glissare sulle circostanze discutibili in cui si trovano i due personaggi, per poterli apprezzare appieno. Inizialmente la produzione del film sembrava destinata a fallire. Walt Disney in persona voleva adattare questa storia senza tempo, ma non riusciva a trovare la chiave per farla funzionare. Il progetto è nuovamente decollato quando sono stati coinvolti il paroliere Howard Ashman e il compositore Alan Menken, che hanno trasformato tutto in un musical. Le immagini del film sono diventate un tassello indelebile della storia dell’animazione, dal ballo sulle note della title track a Lumière che si esibisce in Stia con noi.

La Disney si stava preparando a esalare l’ultimo respiro, dopo il disastro di Taron e la pentola magica, quando un topo l’ha salvata. Non Topolino, attenzione, ma Basil di Baker Street. Le musiche brillanti e avvincenti di Henry Mancini rendono vivacissimo Basil l’investigatopo. Il budget del film è stato dimezzato dopo che l’amministratore delegato Michael Eisner ha visto gli storyboard, ma questo non ha impedito ai registi esordienti Ron Clements e John Musker di fare centro. Nonostante sia considerato parte della produzione del periodo di crisi dell’azienda, il film presenta tutti i segni tipici dei classici del Rinascimento Disney: frazioni musicali audaci in stile Broadway, un cattivo memorabile come Ratigan (doppiato in originale da un fantastico Vincent Price e disegnato dall’animatore-superstar Glen Keane), una spalla grandiosa e un’animazione fantastica, anche se il budget modesto rende il tutto un po’ grezzo. È una corsa sfrenata dalla trama serrata, con un favoloso inseguimento nella torre del Big Ben che rappresenta uno dei primi grandi esempi di fusione tra CGI e animazione tradizionale disegnata a mano. Spesso si attribuisce a La sirenetta il merito di aver aperto il Rinascimento, ma senza Basil l’investigatopo quel film forse non sarebbe mai esistito.

La Disney è sempre stata all’avanguardia nell’innovazione dell’animazione, e Tarzan lo dimostra in maniera lampante. Lo Studio ha sviluppato la tecnica del Deep Canvas, che ha permesso agli artisti di creare disegni del tutto tridimensionali su cui la telecamera può muoversi liberamente. Il risultato è Tarzan che volteggia nella giungla, tra alberi e liane, con un effetto immersivo prima impensabile. Per Glen Keane, animare Tarzan era una vera e propria sfida, visto che doveva muoversi in maniera credibile sia come essere umano che come gorilla, per cui si è consultato con un professore di anatomia: così Tarzan è diventato il primo personaggio Disney a mostrare una muscolatura accurata e realistica. Al di là dell’animazione impeccabile, Tarzan ha avuto successo anche grazie a una grande storia traboccante di emozioni autentiche. Phil Collins ha interpretato una serie di canzoni incredibilmente sincere, tra cui il pezzo forte dei titoli di coda You’ll Be in My Heart (Sei dentro me), che ha vinto un Oscar. I migliori film Disney toccano i sentimenti e pochi riescono a farlo meglio di Tarzan, che ha chiuso il Rinascimento dello Studio nel migliore dei modi.

Il fascino della Disney fa presa su adulti e bambini, ma pochi film offrono un intrattenimento per tutta la famiglia così piacevole e sincero come Winnie the Pooh. Il film del 2011 è completamente passato inosservato al botteghino (è uscito in contemporanea con l’ultimo capitolo della saga di Harry Potter), ma la pellicola, diretta da Stephen Anderson e Don Hall, è godibilissima. È il distillato perfetto dello spirito delle più belle storie di A.A. Milne: è come un caldo abbraccio in forma cinematografica. L’animazione (a oggi, è l’ultimo film Disney disegnato a mano) è spettacolare, in particolare nella sequenza dei sogni di Pooh che brama del miele. Dura 63 minuti e non c’è un solo secondo sprecato.

Dopo La bella addormentata nel bosco, negli anni Sessanta la Disney è entrata in modalità risparmio, introducendo una nuova tecnica chiamata xerografia: un processo di fotoriproduzione che richiedeva linee di contorno nere e marcate per i personaggi, ma faceva anche risparmiare molto tempo e denaro. La xerografia ha portato al declino dell’intero reparto inchiostri e colori. Incredibilmente, però, non si percepisce che La carica dei 101 è stato realizzato con un budget stringato, perché la direzione artistica di Ken Anderson e il suo stile più spigoloso si adattano perfettamente all’atmosfera culturale della Londra degli anni Sessanta. La carica dei 101 è come un pezzo jazz. Il talento monumentale di Marc Davis ci ha regalato un cattivo immortale, la folle Crudelia De Mon, che vuole trasformare un gruppo di adorabili cuccioli in una splendida pelliccia. Bill Peet lavorava allo Studio dai tempi di Biancaneve e, finalmente, ha avuto la chance di prendere le redini della storia, provando così di essere uno dei grandi narratori americani. La carica dei 101 ha anche dimostrato che la Disney era in grado di imboccare nuove strade: è stato il primo film ambientato nel presente e, nonostante ci sia una canzone (Crudelia De Mon), è stato anche il primo non musicale dello Studio.

Le follie dell’imperatore ha rischiato di non uscire mai. Il suo sviluppo tormentato e faticoso è stato al pari di quello di Taron e la pentola magica, anzi forse ancora più complesso. Ma, a differenza di quel flop, Le follie dell’imperatore è un vero e proprio capolavoro: è di gran lunga il film Disney più divertente di tutti, fonde gag visive eccezionali, surrealismo e meta-umorismo in un pacchetto davvero unico (la scena al Mudka’s Meat Hut praticamente rappresenta la definizione perfetta dei tempi comici). Yzma è grandiosa nei panni della cattiva decisa a distruggere l’imperatore Kuzco. La Disney ha faticato per trovare una propria identità, dopo il Rinascimento, anche per via della feroce concorrenza degli altri Studios, ma Le follie dell’imperatore ha rappresentato il modello di successo per gli anni a venire.

La storia leggendaria del bacio d’amore risale al primo film d’animazione della Disney, Biancaneve e i sette nani. Questa pellicola è il modello che definisce molti degli elementi per cui la Disney è tanto amata: un universo fantastico coerente, canzoni d’impatto, grandi personaggi, un cattivo terrificante e un’animazione mozzafiato. Pochi cattivi sono così malvagi come la regina Grimilde. Questo è il film che ha dato il via a tutto: tenendo conto dell’inflazione, è ancora la pellicola d’animazione che ha incassato di più nella storia. Il film più ambizioso dello Studio è stato il suo primo, e questo perché nessun altro, a parte chi lavorava al progetto, credeva che avrebbe funzionato. Un lungometraggio d’animazione era praticamente qualcosa d’inaudito: l’animazione era meglio lasciarla relegata nei cortometraggi. Chi avrebbe mai voluto guardare una cosa del genere? Walt Disney ha dato una risposta chiarissima alla domanda: tutti.

Ron Clements e John Musker hanno salvato dal baratro la Disney con Basil l’investigatopo, ma sono riusciti ad alzare la posta e a riportare lo studio alla floridità, pochi anni dopo, con il loro secondo film: La sirenetta. Si tratta di una delle pellicole Disney più forti dal punto di vista emotivo, con la migliore selezione di brani di tutti i film dello Studio: questo grazie alla brillante collaborazione artistica tra il paroliere Howard Ashman e il compositore Alan Menken. I migliori film Disney hanno il potere di trasportarti in un altro mondo e La sirenetta accompagna il pubblico direttamente nel regno sottomarino di Atlantica. Alla sirena Ariel, che desidera esplorare luoghi oltre il mare e innamorarsi, viene dato molto più da fare di qualsiasi altra principessa prima di lei, e l’impatto emotivo del film è incommensurabile. L’animazione subacquea è mozzafiato e Ursula, la strega del mare ispirata a Divine, è un nemico che lascia il segno. Il lavoro di Menken con Ashman è tra i più incisivi che lo studio abbia mai proposto: fra 100 anni, le persone indicheranno ancora canzoni come Poor Unfortunate Souls (La canzone di Ursula) e Part of Your World (Parte del tuo mondo) fra le migliori della Disney.

Come dare seguito al successo enorme di Biancaneve? Se sei la Disney, devi fare le cose più in grande, in modo più audace e ancora più cupo. L’adattamento di Pinocchio di Carlo Collodi è un film pieno di meraviglia e orrore: è la storia di Pinocchio, un burattino che cerca disperatamente di diventare un bambino vero. L’animazione è impareggiabile, con un lavoro sugli effetti mai eguagliato. La critica ha adorato il film, ma i bambini (comprensibilmente) l’hanno trovato troppo spaventoso. L’eredità di Pinocchio rimane unica, anche grazie alla canzone classica Una stella cade, che apre ogni film Disney moderno. Sfortunatamente per la Disney, la Seconda guerra mondiale ha bloccato i mercati europei (un vero peccato, considerando la forte anima europea del film) e la pellicola è stata un fiasco al botteghino. Oggi, però, Pinocchio è giustamente riconosciuto non solo come uno dei più grandi film d’animazione mai realizzati, ma come uno dei più grandi della sua epoca.

Walt Disney era un grande paladino della natura, e l’adattamento di Bambi di Felix Staten per lui è stato un progetto molto appassionante. La cura e l’attenzione per il dettaglio erano essenziali: gli animatori hanno studiato i cervi e gli altri animali per rendere le loro controparti animate il più possibile realistiche e simili a quelle vere. Gli sfondi incredibili dipinti da Tyrus Wong hanno portato il pubblico nella foresta, mentre la multiplane camera ha dato una grande profondità all’animazione. Pur sembrando la storia apparentemente semplice di un cerbiatto che cresce nella foresta, Bambi è un esperimento senza pari nel campo dell’animazione come forma d’arte. Il suo impatto è stato così potente che la scena più ricordata del film, la morte della madre di Bambi, in realtà non viene neppure mostrata sullo schermo: ma ha lasciato un segno tale che la maggior parte delle persone giura di averla vista morire. C’è un’assenza di sentimentalismo sorprendente che fa sì che i momenti emozionanti siano più forti che in qualunque altro film Disney. Bambi è il distillato più puro del potere dell’animazione e della narrazione di Walt Disney, che si spinge oltre ogni limite ed è un concentrato di emozioni. Crea un mondo di fantasia disegnato squisitamente, che sembra credibilissimo: non esiste nulla di simile a Bambi.

Da Rolling Stone US