I migliori album internazionali del 2024 (fino a oggi)

Non cambierà di una virgola nella storia dei Green Day, ma è un perfetto condensato dello stile del trio, la via di mezzo tra Dookie e American Idiot. Il produttore è lo stesso e l’album è uscito guarda caso in corrispondenza del trentesimo anniversario del primo e del ventesimo del secondo. E soprattutto non è un disco stanco, ha una vitalità e una credibilità che poche band con una lunga storia possono vantare. E difatti, eccolo qua.

È la mappa sonora del nostro disagio, è nerdismo musicale al cubo. Il secondo album del trio formato da Thom Yorke, Jonny Greenwood e Tom Skinner è cerebrale, pieno di pezzi sghembi e passaggi drammatici. Dalla sua pezzi ha forti come Friend of a Friend e Bending Hectic. L’angoscia diventa bellezza, senza passare dall’algoritmo di Daniel Ek. Tiè.

Spudorate, sfrenate, enfatiche: le Last Dinner Party hanno fatto il disco che nessuno fa più. Libere da ogni scrupolo, cantano il sesso e cercano la canzone pop perfetta. Prelude to Ecstasy è l’album giusto per godersi il presente in un mondo in cui il futuro è incerto. 

Un album che potrebbe esservi sfuggito nel mare di uscite discografiche. Sarebbe un peccato. La cantante degli Alabama Shakes, band in stand-by, ha fatto un discone in cui mette a punto una sorta di black music totale, tradizionale e allo stesso tempo contemporanea, per raccontare tutto ciò che in una relazione è compreso tra piacere e dolore. La spariamo grossa: a quel genio di Prince sarebbe piaciuto.

“Watch-watch, my-my steed-steed go-go far, far”. Anche se l’album parla d’amore, gli Idles continuano a dare il meglio quando ti prendono a schiaffi con un suono potente, residuo arrugginito dell’era industriale inglese. In questo disco, poi, gli Idles si mettono alle spalle il chiacchiericcio sulla rinascita del post punk con arrangiamenti più sottili e un modo di cantare meno gutturale e incazzato. «Ero in balia delle emozioni e della dipendenza, non riuscivo ad uscirne», ci ha detto Joe Talbot. «Così ho cambiato il copione e ho adottato un nuovo approccio basato sulla pacatezza, sull’amore e sull’uso dell’arte per riequilibrarmi. Ho ritrovato la mia voce».

Non è un disco di canzoni, ma un album di post psichedelia strumentale inciso con un supergruppo e con in testa il mondo messo sottosopra, l’astrologia, mamma Yoko che invecchia. Musica genreless nata da una residency poi saltata nel locale di John Zorn a New York. Il titolo? «Mia madre mi ha cresciuto con la religione dell’astrologia», ci ha detto Sean Lennon. «Senza essere pretenzioso, per me il titolo dice qualcosa sulla natura illusoria della realtà e della vita. Mi piace l’idea che si possano vedere delle forme fisse in cielo che nella realtà non esistono».

È il bellissimo valzer degli addii di Alynda Segarra, una che col nome Hurray for the Riff Raff ha sempre fatto dischi di lotta e di folk, mettendo in musica le storie di chi vive ai margini. Dopo la morte del padre ha fatto questo album che invece è tenerissimo, commuovente senza essere patetico, con canzoni struggenti sulla vita, la morte e quel che c’è di mezzo. Hurrah, il folk americano è vivo.

Dov’è il mondo felice e utopico che gli avevano promesso, una volta diventato una piccola rockstar? Se lo chiede James Smith nel secondo album degli Yard Act. Il gruppo si smarca dal post punk e mescola influenze che vanno dagli LCD Soundsystem a Beck. E i testi, colloquiali e forti come sempre, riflettono senza troppe menate sui dubbi circa la natura del mestiere di musicista, sul successo di The Overload, sull’illusione che la vita da rocker ti risolva i problemi. E poi dal vivo sono sono “ace top mint boss!” (cit).

Sono amate da Kristen Stewart. Ascoltarle, dice l’attrice, è come avere la faccia spinta “in the bush of being a woman”. Partite dal basso, sfidano i  limiti della società per chiedersi: «Cos’è che ci fa desiderare di vivere?». Il loro quarto album mantiene le aspettative. Un mix perfetto di desiderio e di rabbia che però viene utilizzata come un mezzo per esplorare le profondità della solitudine. 

Che uno dei dischi più entusiasmanti e d’avanguardia di questi primi sei mesi dell’anno arrivi da una musicista over 70 potrebbe farci riflettere sulla freschezza dell’universo sonoro contemporaneo delle nuove generazioni. Ma la signora in questione è Kim Gordon e allora tutto è possibile. Un orgasmo psichedelico, per citare uno dei brani dell’album. Una rivoluzione noise permanente.

Nel nuovo album della band di Jack Antonoff, noto soprattutto come produttore (Taylor Swift e non solo) ci sono un po’ di New Jersey, un po’ del “respiro” dei pezzi dei War on Drugs, echi di Bruce Springsteen, il sax di Modern Girl, Lana Del Rey in Alma Mater e soprattutto un sentimento strano, un misto di speranza e tristezza, nostalgia e vulnerabilità. Da ascoltare. 

Ariana Grande ha inaugurato una nuova era, o forse sarebbe meglio dire che ne è posseduta. Eternal Sunshine è una confessione coraggiosa che contiene le sue canzoni più sofferte e riflessive. Un disco che analizza la fine di una storia d’amore tra armonie vocali e r’n’b da inizio millennio. Morbidissimo. 

Dopo aver raggiunto il successo internazionale con Golden Hour, la star del country (ma anche del pop) in questo album è diventata matura. Canta di vita, di trovare i propri spazi. Voce sottile e atmosfere sognanti: Deeper Well è un disco che vi fa sentire meglio.  

Non era facile non farsi travolgere dal successo di Water e invece la cantante sudafricana Tyla è riuscita a tirare fuori un disco che è una miscela irresistibile di amapiano e R&B. Potremmo dire tra Rihanna e Sade, un disco d’esordio che l’ha catapultata nello stardom mondiale. E che dimostra che è all’altezza della sfida. 

L’Act I era un omaggio alle radici nere e queer della club culture, l’Act II è un’operazione di riappropriazione culturale del country, ma anche un discorso sullo stato della nazione da parte di una regina (per una volta l’enfasi ci sta). Lungo, forse troppo, ma pieno di musiche, di stimoli, di riferimenti, è una sorta di filmone sonoro in cui si supera l’idea della separazione tra i generi musicali (sì, il country è anche nero). In più, ci sono interpretazioni vocali super e testi in cui Beyoncé cerca di ridefinire l’identità americana. Forse è questo il senso ultimo di Cowboy Carter: espiare i peccati dei padri e seppellire le vecchie idee, perdonare la vecchia America per costruirne una nuova. Magari.

Uno degli album più sorprendenti di questi primi sei mesi. Pubblicato esclusivamente su YouTube sotto forma di unica traccia sonora della durata di due ore, ovvero due dischi per 32 canzoni totali (come spiegato nella descrizione del video), è diventato subito un piccolo oggetto di culto. Il progetto è l’alter ego del cantautore e drag Patrick Flegel, qui al settimo album in studio. Dentro ci sono svariati mondi, da un certo rock’n’roll lo-fi, al bedroom pop, dalla psichedelia al pop-folk di altre epoche. Più facile da ascoltare che da spiegare.

I Vampire Weekend continuano il loro viaggio tra estetica newyorkese (il titolo dell’album è un riferimento alla prima pagina del Daily News del 1° maggio 1988, vedi copertina del disco) e pop eccentrico. Per quest’occasione Ezra Koenig, il frontman della band, ha preso una lezione di canto raga con Terry Riley in Giappone. Sono 10 brani per quasi 50 minuti di musica, giusto per rimanere in tema vecchia scuola.

La musica è certamente una questione (anche) soggettiva, ma di fronte a Perceive Its Beauty, Acknowledge Its Grace non possiamo che ammettere di essere di fronte a un’opera sonora oggettivamente bellissima. I mondi costruiti da Shabaka – già membro dei Sons of Kemet e dei Comet Is Coming, due progetti che hanno rinnovato un forte interesse di fronte a questo stile – ci fanno immergere tra in una musica panteista fatta di jazz, new age, spiritual, come se il vento dell’universo suonasse gli strumenti a fiato che portano avanti le varie composizioni del disco. Al suo fianco ospiti come Laraaji, Moses Sumney, Floating Points. Se cercate rifugio dal mondo o la bellezza nel mondo, qui troverete casa.

Resistere all’aria del tempo e alla propria fine evocando il passato con Andrew Watt, grande fan e produttore dell’ultimo dei Rolling Stones e di Earthling di Eddie Vedder. Dei tanto evocati Pearl Jam anni ’90 resta l’eco, ma è facile farsela bastare. Era da un pezzo che non li sentivamo così vivi e scattanti, e poi si sono certe ballate alla Vedder che vale sempre la pena d’ascoltare. Il tipico disco destinato ad essere disdegnato da chi pensa che il meglio sia passato, amato da chi è convinto che il passato sia sempre il meglio.

Gli uomini non cambiano e nemmeno Taylor Swift: The Tortured Poets Department è il (temporaneo) picco del fenomeno monoculturale che è la cantautrice americana. Forse non sarà un disco audace, ma ha avuto la capacità di continuare a far appassionare milioni di persone. Potremmo dire un tiepido disco synth pop in cui Swift fa quello che le riesce meglio: sputare la verità in faccia ai ragazzi cattivi, ubriacarsi di lacrime, esibirsi depressa allo stadio e poi raccontarci tutto, ancora una volta. 

Elettronica da un’altra dimensione ispirata a quel «terzo della giornata in cui siamo morti». Così abbiamo definito il terzo disco in studio di Sega Bodega, l’artista e producer irlandese di origine cilena che ancora una volta è riuscito a creare un immaginario sonoro e visivo decisamente eccitante in Dennis. Un’indagine sonica su mania e insonnia, con un tocco personale e riconoscibile come solo quelli veramente bravi sanno fare.

Ha avuto bisogno di darsi fuoco, Annie Clarke, per rinascere in questo All Born Screaming. Autoprodotto interamente da lei con una «piccola Wrecking Crew» (come ce l’ha definita lei stessa) formata da amici come Dave Grohl e Josh Freese (Foo Fighters), Cate Le Bon, Stella Mozgawa (Warpaint), il nuovo album firmato St. Vincent è un viaggio profondo e intenso in un luogo solitario, là dove sangue, viscere, terra, nonché vita e morte si incontrano per dialogare nelle oscurità dell’umano. Dieci tracce dal sound duro, sporco, crudo, decisamente rock. Sicuramente onesto.

Mdou Moctar è il progetto di Mahamadou Souleymane, musicista Tuareg al suo sesto album (il secondo per l’americana Matador) con la sua band. Dei suoi lavori, Funeral for Justice, come si può facilmente intuire dal titolo, è tra i più politicizzati. Nell’album, cantato principalmente in Tamasheq, lingua berbera, si affrontano principalmente temi legati al colonialismo con Souleymane intento a far suonare la sua chitarra come una persona che piange mentre chiede aiuto (parole sue). La rabbia, al di là delle parole, arriva infatti dal suono energico e lamentoso di un disco che oltrepassa le barriere linguistiche.

Si possono ancora scrivere canzoni semplici e belle? Sì. La dimostrazione è il quarto album in studio della cantautrice californiana Jessica Pratt. Intimo ma dettagliato, il suo folk sembra arrivare quasi da un’altra dimensione, pur restando fedele alle linee guida. In Here in the Pitch si ritrovano decenni, tempi, stili, generi diversi tra loro (dai Beach Boys alla MPB), mantenuti in equilibrio dal funambolismo riverberato di Jessica. Un piacere per l’ascolto.

Un dio del rock capriccioso ha preso i fratelli D’Addario dagli anni ’60 e li ha scaraventati nel 2024. Il risultato è questo disco incredibilmente derivativo eppure pieno di vita e di talento in cui si prendono Paul McCartney e Brian Wilson e li si fa idealmente collaborare, restituendoci quelle musiche e quell’epoca in una dimensione sognante e rétro. È il passato idealizzato, è il rock che di fronte alle ansie contemporanee diventa sogno colorato e consolatorio.

Essere oggettivi di fronte a questo disco degli Shellac è pressoché impossibile. Il ritorno in studio della band dopo dieci anni d’assenza è tragicamente coinciso con la prematura scomparsa del suo leader, Steve Albini, musicista e produttore che ha segnato la storia del rock alternativo. Viscerale, senza fronzoli, diretto, To All Trains è il suo involontario, splendido addio.

A 22 anni Billie Eilish ha cambiato il modo in cui viene vissuto il pop. E ha il potere di portare il mondo intero dalla sua parte. Lo conferma quest’ultimo disco, più giocoso, più incazzato. La musica spazia dal synth-pop di Birds of a Feather o di Blue a ballate confessionali come The Greatest o Skinny. Un disco pop, sì, ma straordinariamente strano. A questo link la nostra cover story.

Chi vuol sentire un disco sulla mezza età? Pochi, eh? Peccato, perché Lives Outgrown è un gran disco costruito dalla cantante dei Portishead e dal produttore James Ford inventandosi un mondo di suoni materici e affascinanti. È folk quasi esoterico e fuori dal tempo anche per i temi che sono sì belli pesanti, (morte, sofferenza, cosette così), ma sono affrontati con grazia e mistero. Roba che non si sente altrove.

In piena Brat summer non poteva mancare Charli XCX tra i dischi meglio riusciti di questi primi sei mesi. Prodotto dal fidanzato George Daniel (dei 1975) e da A. G. Cook (leader di PC Music), Brat ha tutto ciò che necessità un disco pop che parla la lingua del futuro: hook appiccicosi, produzioni senza confini di genere e tante follie sonore e testuali (ascoltatevi i vari cambi di 365 per capire di cosa stiamo parlando). Aggiungiamoci una campagna di comunicazione e marketing di rara intelligenza e il gioco è fatto. Finalmente un disco virale che – prima di tutto – è un disco che spacca. Charli è diventata 3D.

In un periodo storico in cui i joint album sono all’ordine del giorno, la collaborazione tra James Blake e Lil Yachty spicca per il coraggio di unire due mondi sulla carta così diversi, da un lato l’elettronica sentimentale di James Blake e dall’altra la neo-psichedelia black di Lil Yachty. Il risultato è un disco che a livello sonoro è 100% James Blake impreziosito dal dinamismo vocale del trapper. Si arriva a toccare ottime vette in brani come Save the Savior, Run Away From the Rabbit e Missing Man, ovvero là dove l’unione trova la giusta quadra. Un esperimento che speriamo ne possa stimolare molti altri.